Du nord de l’Allemagne à l’art numérique

Je suis Felix van Horst, artiste numérique allemand né en 1988 dans le nord de l’Allemagne. Ayant grandi dans une famille nombreuse, j’ai été attiré très tôt par l’art et la musique – deux univers qui m’offraient liberté, imagination et une manière de regarder au-delà de l’ordinaire.

Je n’ai jamais étudié l’art ni suivi de formation artistique académique. J’ai étudié l’ingénierie et le management, puis j’ai commencé à travailler pour un grand groupe. Pourtant, l’envie de créer ne m’a jamais quitté. Avec le temps, je me suis tourné vers les arts visuels et j’ai commencé à explorer les possibilités créatives de l’ordinateur – en autodidacte, en expérimentant librement et en développant progressivement un langage visuel qui m’est propre.

Inspiration et vision artistique

Parmi mes influences artistiques figurent le fauvisme, le cubisme, l’expressionnisme, l’art naïf et inspiré des traditions populaires ainsi que l’abstraction géométrique. Les œuvres de Friedensreich Hundertwasser et de Gustav Klimt me fascinent particulièrement. Ma plus grande source d’inspiration reste toutefois le voyage. Chaque voyage me fait découvrir de nouveaux paysages, villes, cultures, personnes et points de vue. Ces expériences se retrouvent sans cesse dans mes motifs, mes couleurs et mes mondes imaginaires.

Mon langage visuel

La couleur est l’un des matériaux essentiels de mon travail. J’utilise des tons vibrants et saturés non pas simplement pour décrire la réalité, mais pour façonner l’atmosphère et la température émotionnelle d’une image. Les bâtiments peuvent devenir turquoise, cramoisis, violets, orange ou bleu électrique. L’eau, la végétation, les personnages et les ciels peuvent prendre des couleurs davantage émotionnelles que naturalistes.

Les cercles, spirales, fenêtres, fleurs, yeux, soleils, reflets et ondulations reviennent régulièrement dans mon travail et sont progressivement devenus une partie de ma signature visuelle. Ces formes me permettent de naviguer entre figuration et abstraction. Un cercle peut évoquer une fleur, un œil, un soleil ou un reflet, tout en fonctionnant comme un élément autonome de la composition.

L’architecture apparaît souvent animée plutôt que mathématiquement exacte. Les bâtiments s’inclinent, s’empilent, se resserrent et se rassemblent, tandis que les fenêtres, toits, portes, arches et escaliers deviennent des éléments rythmiques au sein d’un ensemble plus vaste. Les lieux que je crée ne sont pas conçus comme des représentations documentaires. Ce sont des environnements imaginés, façonnés par la chaleur, la curiosité, l’abondance et le plaisir visuel.

L’atmosphère générale de mon travail est volontairement positive. Je cherche à créer de l’intensité sans agressivité, de l’abondance sans chaos et de la stylisation sans perdre l’accessibilité émotionnelle. Mes univers restent reconnaissables, mais ils sont plus colorés, rythmés, ludiques et optimistes que la réalité quotidienne.

Un monde de couleurs et d’imagination

Ce que je souhaite faire ressentir lorsque l’on regarde mon travail ne peut pas se résumer en une seule phrase. Chaque œuvre possède son propre caractère, façonné par son motif, ses couleurs et son atmosphère. Je peux commencer avec une idée des émotions que j’aimerais susciter, mais au bout du compte, l’art naît dans le regard de celui qui le contemple.

Ce qui compte, ce n’est pas seulement ce que j’ai voulu exprimer, mais aussi ce que le spectateur découvre et ressent en regardant l’œuvre. C’est là que l’art prend véritablement vie.

Beaucoup de mes œuvres sont créées pour apporter de la joie, de l’espoir et un sentiment d’émerveillement. Je suis attiré par les motifs fantaisistes et les mondes imaginaires qui invitent à s’éloigner un instant de la réalité quotidienne – pour profiter de la couleur, de la beauté et de la vitalité de la vie elle-même.

Mon amour des couleurs intenses vient peut-être aussi de mon lieu de vie dans le nord de l’Allemagne, où l’automne et l’hiver peuvent être longs, nuageux et gris. Le quotidien est souvent dominé par des teintes discrètes, aussi bien dans notre environnement que dans notre façon de nous habiller. À travers mon art, je crée un contre-monde : vibrant, ludique, vivant et plein de possibilités.

Les grands formats constituent une part essentielle de cette vision. Une œuvre de grande taille transforme immédiatement l’atmosphère d’une pièce. Elle attire le regard, invite à s’arrêter et offre suffisamment d’espace pour que les détails se dévoilent progressivement.

Dans le meilleur des cas, je ne veux pas que quelqu’un ne regarde que quelques secondes. Je veux que l’on reste, que l’on explore et que l’on continue à découvrir quelque chose de nouveau.

Quand l’art est devenu un chemin

L’art est devenu plus qu’une passion privée lorsque j’ai compris que mon travail pouvait réellement toucher les gens. Des collectionneurs ont commencé à m’envoyer des messages très personnels sur ce que mes œuvres représentaient pour eux. Une personne a même écrit un poème pour sa femme, inspiré par l’une de mes créations.

Des moments comme ceux-là m’ont montré qu’une œuvre pouvait devenir une part des souvenirs, des émotions et de l’univers personnel de quelqu’un d’autre. Ils m’ont encouragé à poursuivre cette voie plus intensément et à continuer de créer des œuvres capables d’inspirer, de fasciner et de créer des liens de façons que je ne pourrais jamais entièrement prévoir.

Aujourd’hui, mes œuvres ont trouvé leur place dans plus de 40 pays à travers le monde. Les nombreux messages bienveillants et les réactions extrêmement positives que je reçois de collectionneurs comptent énormément pour moi. Savoir que mon travail peut apporter de la joie, stimuler l’imagination de quelqu’un ou devenir une partie d’une histoire personnelle continue de me motiver à explorer, évoluer et créer.