Von Norddeutschland zur digitalen Kunst

Ich bin Felix van Horst, ein deutscher Digitalkünstler, geboren 1988 in Norddeutschland. Aufgewachsen in einer großen Familie, fühlte ich mich schon früh zu Kunst und Musik hingezogen – zwei Welten, die Freiheit, Fantasie und einen Blick über das Alltägliche hinaus ermöglichten.

Ich habe nie Kunst studiert und keine klassische künstlerische Ausbildung erhalten. Stattdessen studierte ich Ingenieurwesen und Management und begann später für einen großen Konzern zu arbeiten. Der Wunsch, kreativ zu sein, ist jedoch nie verschwunden. Mit der Zeit fand ich meinen Weg zur bildenden Kunst und begann, die kreativen Möglichkeiten des Computers zu erkunden – autodidaktisch, frei experimentierend und mit einer Bildsprache, die sich nach und nach zu meiner eigenen entwickelte.

Inspiration und künstlerische Vision

Zu meinen künstlerischen Einflüssen zählen Fauvismus, Kubismus, Expressionismus, naive und von Volkskunst inspirierte Kunst sowie geometrische Abstraktion. Besonders faszinieren mich die Werke von Friedensreich Hundertwasser und Gustav Klimt. Meine größte Inspirationsquelle ist jedoch das Reisen. Jede Reise bringt mich mit neuen Landschaften, Städten, Kulturen, Menschen und Perspektiven in Berührung. Diese Erfahrungen finden immer wieder ihren Weg in meine Motive, Farben und imaginären Welten.

Meine Bildsprache

Farbe ist einer der zentralen Bausteine meiner Arbeit. Ich verwende leuchtende, satte Töne nicht nur, um Realität abzubilden, sondern um die Atmosphäre und emotionale Temperatur eines Bildes zu formen. Gebäude können türkis, karminrot, violett, orange oder elektrisch blau werden. Wasser, Vegetation, Figuren und Himmel nehmen Farben an, die eher emotional als naturalistisch sind.

Kreise, Spiralen, Fenster, Blumen, Augen, Sonnen, Spiegelungen und Wellen tauchen immer wieder in meinen Arbeiten auf und sind nach und nach Teil meiner visuellen Handschrift geworden. Diese Formen erlauben mir, mich zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion zu bewegen. Ein Kreis kann an eine Blume, ein Auge, eine Sonne oder eine Spiegelung erinnern und gleichzeitig als eigenständiges Element innerhalb der Komposition funktionieren.

Architektur wirkt in meinen Bildern häufig belebt statt mathematisch exakt. Gebäude neigen sich, stapeln sich, verdichten sich und rücken zusammen, während Fenster, Dächer, Türen, Bögen und Treppen zu rhythmischen Elementen einer größeren Komposition werden. Die Orte, die ich erschaffe, sollen keine dokumentarischen Abbilder sein. Es sind imaginierte Umgebungen, geprägt von Wärme, Neugier, Fülle und visueller Freude.

Die Grundstimmung meiner Arbeiten ist bewusst positiv. Ich möchte Intensität ohne Aggressivität, Fülle ohne Chaos und Stilisierung schaffen, ohne dabei die emotionale Zugänglichkeit zu verlieren. Meine Welten sind wiedererkennbar, aber farbenfroher, rhythmischer, verspielter und optimistischer als die alltägliche Realität.

Eine Welt aus Farbe und Fantasie

Was Menschen empfinden sollen, wenn sie meine Arbeiten betrachten, lässt sich nicht in einem einzigen Satz definieren. Jedes Kunstwerk hat seinen eigenen Charakter, geprägt von Motiv, Farben und Atmosphäre. Ich beginne vielleicht mit einer Vorstellung davon, welche Emotionen ich hervorrufen möchte – doch letztlich entsteht Kunst im Auge des Betrachters.

Entscheidend ist nicht nur, was ich beabsichtigt habe, sondern was der Betrachter im Werk entdeckt und dabei empfindet. Genau dort beginnt die Kunst wirklich zu leben.

Viele meiner Kunstwerke entstehen mit dem Wunsch, Freude, Hoffnung und ein Gefühl des Staunens zu vermitteln. Mich ziehen verspielte Motive und imaginäre Welten an, die dazu einladen, für einen Moment aus der Alltagsrealität herauszutreten und Farbe, Schönheit und die Lebendigkeit des Lebens zu genießen.

Vielleicht kommt meine Liebe zu intensiven Farben auch daher, dass ich in Norddeutschland zu Hause bin, wo Herbst und Winter lang, wolkig und grau sein können. Der Alltag ist oft von gedeckten Tönen geprägt – sowohl in unserer Umgebung als auch in der Art, wie sich Menschen kleiden. Mit meiner Kunst erschaffe ich eine Gegenwelt: lebendig, verspielt, voller Farbe und Möglichkeiten.

Große Formate sind ein wesentlicher Bestandteil dieser Vision. Ein großes Kunstwerk verändert unmittelbar die Atmosphäre eines Raumes. Es zieht den Blick an, lädt zum Innehalten ein und schafft genügend Raum, damit sich Details nach und nach offenbaren können.

Im besten Fall möchte ich nicht, dass jemand nur wenige Sekunden hinsieht. Ich möchte, dass man verweilt, das Bild erkundet und immer wieder etwas Neues entdeckt.

Als Kunst zu meinem Weg wurde

Kunst wurde für mich mehr als eine private Leidenschaft, als ich merkte, dass meine Arbeiten Menschen wirklich berühren können. Sammler begannen, mir sehr persönliche Nachrichten darüber zu schicken, was meine Kunstwerke für sie bedeuten. Eine Person schrieb sogar ein Gedicht für seine Frau, inspiriert von einem meiner Werke.

Solche Momente haben mir gezeigt, dass ein Kunstwerk Teil der Erinnerungen, Gefühle und persönlichen Welt eines anderen Menschen werden kann. Sie haben mich darin bestärkt, diesen Weg intensiver weiterzugehen und Werke zu schaffen, die Menschen inspirieren, faszinieren und auf eine Weise verbinden können, die ich selbst nie vollständig vorhersehen kann.

Heute haben meine Kunstwerke weltweit in mehr als 40 Ländern ein Zuhause gefunden. Die vielen freundlichen Nachrichten und die überwältigend positiven Rückmeldungen von Sammlern bedeuten mir sehr viel. Zu wissen, dass meine Arbeit Freude schenken, die Fantasie eines Menschen anregen oder Teil einer persönlichen Geschichte werden kann, motiviert mich immer wieder dazu, Neues zu entdecken, mich weiterzuentwickeln und zu gestalten.